Illustrazione

L'obiettivo del corso è l'apprendimento delle caratteristiche fondamentali per realizzare delle illustrazioni, utilizzando un metodo di lavoro professionale diviso in due fasi. Nella prima fase del programma gli studenti apprenderanno tutto ciò che concerne la parte preproduttiva per la realizzazione delle opere, e nella seconda parte realizzeranno le illustrazioni. Durante il corso, si esploreranno varie tecniche di visualizzazione e la narrazione per immagini. Infine gli studenti svilupperanno i loro obiettivi professionali, individuando il tipo di pubblico e il mercato nel quale vogliono lavorare.

Programma

Il programma inizierà con l'introduzione dell'illustrazione e la sua diffusione nel mondo dell'arte, dell'editoria e dell'intrattenimento. Verranno mostrati esempi di tutte le possibili diramazioni di questo medium artistico. Dopodichè verrà introdotto il processo progettuale dell'illustrazione, ovvero dalle prime fasi al lavoro finito. Nella fase iniziale verranno creati bozzetti, schizzi e thumbnails dell'illustrazione che si andrà a realizzare. Verrà introdotto anche lo sketchbook per sperimentare materiali ed idee. Gli studenti saranno indirizzati verso una scelta accurata dei materiali e delle tecniche, che devono essere coerenti con il tipo di illustrazione che andranno a realizzare. Nella seconda fase verranno realizzate le matite. Nell'ultima fase, verranno applicati i colori e i dettagli finali. Durante tutto il processo progettuale, gli studenti riceveranno feedback e critica del lavoro svolto. Nel semestre verranno mostrate varie tecniche sia tradizionali che digitali, e gli studenti potranno scegliere quelle più consone al proprio stile artistico. Durante il semestre si parlerà anche di: 

• Lo studio dei personaggi: Studio dell'anatomia e della figura umana. Il “gesture drawing” per lo studio della figura umana e per esplorare le varie posizioni. Introduzione ai metodi che contraddistinguano e caratterizzino i personaggi. La differenziazione dei personaggi attraverso l'utilizzo di forme diverse per avere delle silhouette uniche. Uso di forme geometriche per disegnare i personaggi, suggerendone il carattere. Esplorazione di forme e proporzioni con l'obbiettivo di ottenere uno stile personale. 

• Lo studio dei personaggi avanzato: Differenziazione delle figure per sesso, età, altezza, peso ed etnia. Dettagli unici ed espressioni del volto per la caratterizzazione dei personaggi. Diversificazione dei personaggi tramite l'utilizzo di palette di colori uniche. Applicazione di tutti questi elementi per la creazione di personaggi che saranno realizzati visti frontalmente, di profilo e tre quarti, e studio delle espressioni. 

• Lo studio dell'ambiente: Caratterizzazione degli ambienti interni ed esterni. Esplorazione di varie tipologie di ambientazioni in vari generi ed epoche storiche. Utilizzo di referenze fotografiche per creare scene credibili. Esplorazione degli ambienti nella varie fasi del giorno e delle stagioni. Uniformità di personaggi ed ambienti, in modo che sembrino appartenere allo stesso universo. 

• Prospettiva: Studio della prospettiva lineare e la sua costruzione. Prospettiva ad uno, a due e a tre punti di fuga. Creazione di un ambiente ed inserimento di oggetti e figure all’interno di esso. Misurazioni in un disegno in prospettiva: come si trova il centro di un oggetto, come trovare uno spessore all’interno dell'oggetto, come raddoppiare accuratamente un oggetto, come misurare una distanza equidistante tra vari oggetti, come disegnare con precisione una griglia con un solo punto di fuga. Riproduzione di oggetti circolari all’interno di una immagine in prospettiva: come si calcola un cerchio in prospettiva, come si costruisce un arco, misurazione delle ellissi che si allontanano dalla linea di orizzonte. 

• La profondità di campo e le inquadrature: Concetto di primo, secondo e terzo piano. Metodi per migliorare le immagini: scelta delle inquadrature. Introduzione degli 11 tipi di inquadrature base, e sul come, perché e quando utilizzarle. 

• Composizione: La composizione ovvero dove collocare gli elementi all’interno dell’immagine e che relazione stabilire tra essi. Studio delle composizioni basilari: centrale, triangolare, la sezione aurea e la regola dei terzi. L'importanza di avere un “focal point” all'interno dell'immagine e come rafforzarlo. 

• Teoria del colore: I colori primari, secondari e terziari. La temperatura del colore, colori freddi e caldi. Le proprietà del colore, la saturazione e la tonalità. L'uso del “color scheme” per creare immagini armoniose come i colori monocromatici, analoghi, complementari, il metodo triadico e rettangolare e l'uso della palette limitata. Il significato dei colori e l'utilizzo di essi per rappresentare emozioni diverse. 

• L'utilizzo del digitale: Importazione digitale dell'illustrazione. Introduzione agli strumenti e metodi adeguati per importare le immagini. Scannerizzazione delle illustrazioni utilizzando una risoluzione adeguata. L'utilizzo dei software per modificare, aggiustare e migliorare le illustrazioni. Scelta dell'estensione del salvataggio del file. Differenze tra salvataggio e risoluzione del file se è destinato alla stampa o alla pubblicazione sul web.

Bibliografia

Autori Vari, Art Fundamentals - 2nd Edition, USA, 3D Total Publishing, 2020

Modalità didattica

Seguendo un percorso contenutistico logico che parte da nozioni basilari fino ad arrivare a livelli avanzati, tutte le componenti visive alla base dell'illustrazione verranno spiegate singolarmente. Col procedere del semestre, questi elementi visivi verranno integrati tra di loro ed applicati nelle immagini realizzate. Il tutto sarà veicolato tramite le competenze tecniche, sia tradizionali che digitali, apprese durante il corso.

Modalità di verifica

L'esame finale comprenderà la presentazione di almeno 10 diverse illustrazioni, in cui gli studenti dovranno dimostrare di saper applicare tutte le nozioni apprese durante l'anno.